La primera colección para el hogar de un diseñador de moda rinde homenaje a Haití y Nueva York

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Para muchas personas, el aislamiento irregular impuesto por la pandemia ha producido una crisis de autopresentación: ¿Qué me pongo ahora? ¿Cómo quiero que me vean? La nueva exhibición del artista Geoffrey Chadsey en Jack Shainman aborda este enigma de frente en una serie de retratos gigantescos hechos con lápiz de acuarela, aunque su exploración de estas preguntas se ha extendido por décadas. Sus últimos temas son compuestos atrapados entre identidades: un hombre negro con un sombrero de vaquero del que brotan extremidades extra blancas, una figura andrógina con un atrevido traje rojo que empuja su pecho hacia el escote, John F. Kennedy con almohadillas de fútbol. “Los dibujos tratan de alguna manera sobre la fotografía”, dice Chadsey, “cómo los hombres proyectan un sentido de sí mismos a través del autorretrato en línea. Y luego me gusta cuando puedo recombinarlos y ocurren accidentes”. Él construye sus bocetos en Photoshop utilizando material encontrado, desde revistas hasta fotos médicas de archivo y fotos policiales, antes de dibujar cada figura en mylar o hacer un collage de dibujos antiguos. La fluidez de su proceso y materiales refleja lo resbaladizo de los propios sujetos, a quienes el artista compara en broma con muñecos de papel. “Hay algo en esa imagen de frente completo”, dice Chadsey, “esta figura solitaria que se proyecta hacia el mundo. Hay un deseo de compromiso sobre el que el espectador está un poco inseguro, ya sea que quiera retomarlo o no”. “Plus” estará disponible hasta el 18 de junio de jackshainman.com.


“Cuanto más viajo, más sigo regresando a los mismos tipos de restaurantes: asadores icónicos”, dice el chef canadiense Matty Matheson. La bulliciosa personalidad culinaria, que se hizo famosa en Viceland y YouTube enseñando al público cómo rociar bistecs o ir a cazar patos, aprendió a cocinar en los bistrós franceses de Toronto y es copropietario de cuatro restaurantes en Ontario. Su último, Prime Seafood Palace, está parcialmente inspirado en incondicionales de la vieja escuela como Peter Luger de Nueva York y un amor de infancia por la cadena canadiense, The Keg, pero no hay cabinas de cuero rojo ni paneles oscuros a la vista: en cambio, Matheson le preguntó al el dinámico arquitecto Omar Gandhi para construir una catedral de madera ventilada en la bulliciosa Queens Street West de Toronto. Un techo de listones de arce blanco de origen local se curva para encontrarse con pantallas verticales de latón, dando la sensación de estar dentro de un arca (o tal vez una trampa para langostas muy lujosa). Cabinas personalizadas de cuero color melocotón de Coolican & Company, mesas circulares con cajones ocultos que sostienen relucientes cuchillos para bistec Perceval hasta que llega el portero de la cocina abierta. Allí, los mariscos del Atlántico, la carne de res de Ontario y los productos de la granja Blue Goose Farm de Matheson, cerca del lago Erie, se cocinan sobre brasas de madera de cerezo. Él reconoce que el entorno elegante es un nivel superior al de sus primeros días como estrella de la pantalla tonta. “Es una yuxtaposición en lo que la gente me percibe frente a lo que van a encontrar”, dice Matheson. “Tengo 40 años ahora, y Prime Seafood Palace es un restaurante muy maduro, hermoso y reflexivo”. primeseafoodpalace.ca


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La marca de bolsos con sede en SoHo MZ Wallace ha estado colaborando durante más de una década con artistas de alto perfil como Raymond Pettibon, Kerry James Marshall, Njideka Akunyili Crosby y Glenn Ligon. El siguiente es Nick Cave, el artista con sede en Chicago conocido por crear trajes de sonido cinéticos que unen la escultura con el arte escénico. “Estos patrones no son solo reproducciones de mi trabajo en tela”, dice Cave sobre las exuberantes flores, lentejuelas y botones impresos en la tela reciclada del bolso, “son clips de imágenes, remezclados como si un DJ pudiera explorar el sonido”. El eslogan de la correa, “La verdad sea dicha”, se origina en la obra pública del artista de 2020, instalada por primera vez en Kinderhook, Nueva York, que presentaba la frase en letras de vinilo negro extendidas en una fachada de 160 pies como respuesta al asesinato de Jorge Floyd. La bolsa se lanzó junto con la retrospectiva de Cave, que se inauguró este mes en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, y las ganancias de sus ventas benefician a los programas educativos del museo, así como a la Facility Foundation, una organización sin fines de lucro dirigida por Cave y su socio y colaborador. , Bob Faust, que ofrece becas y oportunidades para artistas emergentes. $325, mzwallace.com y en la tienda MCA Chicago. “Nick Cave: Forothermore” se podrá ver hasta el 2 de octubre a las MCA Chicago.


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Para su primera incursión en los interiores, el diseñador de moda haitiano-estadounidense Victor Glemaud se fijó en su propia casa de Nueva York y en los recuerdos que cuentan su historia, incluida una imagen de sí mismo cuando tenía 1 año, vestido con un conjunto corto verde menta y botas blancas, cortando su primer pastel de cumpleaños. “Esa foto es un reflejo de mi esencia, y esta colección fue una oportunidad para darle vida a esa esencia de una nueva manera”, dice Glemaud, quien es conocido por sus prendas de punto llamativas en tonos alegres de rosa neón o verde lima. Se asoció con la estimada casa de diseño Schumacher para la línea de telas, revestimientos de paredes y adornos, llamada Cul-De-Sac de Victor Glemaud, y los 14 patrones, cada uno representado en hasta cuatro combinaciones de colores audaces pero equilibradas, rinden homenaje a su Haití. herencia y raíces de Nueva York. Un estampado llamado Toussaint Toile defiende al libertador de Haití, Toussaint L’Ouverture, junto con exuberantes hojas de palma y flores de hibisco, mientras que Virginia Panel es un estilo geométrico característico de la década de 1970, con rayas curvas en blanco y negro. Muchos de los estampados llevan el nombre de las mujeres poderosas en la vida de Glemaud, como Fabienne, un floral tropical en rojo intenso o lila pálido. Juntos, los patrones son evidencia y materiales para una vida colorida. Desde $300, fschumacher.com.

Caminando hacia el sur por Elizabeth Street, justo encima de Canal, encontrará un mensaje discreto en una pared de ladrillos que dice 2+2=8. Una pintura de Tyree Guyton, con sede en Detroit, es una especie de introducción a una instalación de al lado: dentro de una pequeña tienda con ventanas operada por Martos Gallery, el distribuidor de Guyton, las paredes blancas están pintadas con relojes (uno de los símbolos recurrentes del artista). ), y en una mesa cubierta de escombros como un televisor viejo, un juego de té y una pieza de metal oxidado, un grupo de maniquíes sucios siéntense como si fueran una familia engullendo la cena a la vista del tráfico que sale del cercano puente de Manhattan. Durante gran parte de su carrera, que comenzó en la década de 1980, Guyton ha mostrado su trabajo en un tramo de la calle Heidelberg de Detroit, donde creció. A medida que disminuía el trabajo de manufactura y el vecindario se deterioraba, Guyton comenzó un acto de preservación poco ortodoxo, convirtiendo el área en un popular museo al aire libre llenando lotes baldíos con esculturas y pinturas hechas con reliquias desechadas: animales de peluche, zapatillas rotas, automóviles campanas, aspiradoras rotas. Este pequeño espectáculo de Nueva York revela a Guyton trascendiendo y perpetuando la leyenda de Heidelberg, y solidificando 2+2=8 como un tratado artístico. Si miras lo suficientemente cerca, cualquier cosa, ya sea la cuadra en la que creciste o la concurrida esquina de una calle de Nueva York, puede ser un lugar de belleza y reflexión. “The Heidelberg Project, New York City” se exhibe las 24 horas del día, indefinidamente, en Martos After Dark, 167 Canal Street, martosgallery.com.


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