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Un hotel de Tribeca con mentalidad francesa
Ciento diez años después de que François André Barrière fundara su grupo de gestión hotelera homónimo, la empresa, conocida por sus alojamientos de lujo y casinos en toda Francia, abrirá su primer hotel en los Estados Unidos, en una manzana de adoquines en TriBeCa con 325 pies de calle -frente a nivel. Para fusionar el estilo francés del grupo hotelero con su nueva ubicación al otro lado del Atlántico, el equipo recurrió al diseñador de interiores sueco Martin Brudnizki. El vestíbulo de Fouquet’s New York se inspira en el movimiento Art Deco, un puente estético natural entre Nueva York y París, evidente en el vidrio biselado que parece una joya que recubre la recepción, detrás del cual se encuentra un panel cromado del tamaño de una pared del artista estadounidense israelí Nir Hod. refleja a los transeúntes en el exterior de Desbrosses Street. Si bien todas las habitaciones tienen una combinación de colores que se siente sacada de una caja de macarons, con cortinas de seda plisadas y detalles en pistacho y lila, algunas también cuentan con papel tapiz personalizado de toile de Jouy que incluye puntos de referencia de la ciudad de Nueva York y palomas que llevan croissants. Un spa subterráneo ofrece un amplio menú de tratamientos, así como una bañera de hidromasaje Hydropool, sauna y sala de vapor. Un puesto avanzado de la brasserie parisina Fouquet’s, que abrirá sus puertas en las próximas semanas, ancla las opciones gastronómicas del hotel con un menú creado por Pierre Gagnaire en colaboración con el chef ejecutivo Philippe Orrico, que sirve clásicos como langosta termidor y crêpes suzette. El Fouquet’s original en los Campos Elíseos también es conocido por albergar una cena de gala después de la entrega anual de los premios César. Haciéndose eco de esta tradición, el hotel de Nueva York tiene una sala de proyección aislada acústicamente con capacidad para 100 personas, una adición adecuada a un vecindario que tiene una tradición cinematográfica propia. Desde $1,100, hotelesbarriere.com.
En el mundo del chocolate artesanal, existen jerarquías de sabor. En la parte superior hay barras hechas principalmente de cacao, más amargo que dulce, mientras que en algún lugar debajo está la exuberancia del chocolate con leche enriquecido con grasa de mantequilla. Pero para Fossa, un fabricante de chocolate independiente con sede en Singapur, estas construcciones no se aplican. “No nos restringiremos en el tipo de chocolate base, ya sea oscuro, con leche o rubio”, dice la cofundadora de la compañía, Yilina Leong. “Lo más importante para nosotros es cómo podemos crear sabor”. Cada barra, hecha con cacao especial de primera calidad de varias fincas de comercio directo en todo el mundo, está diseñada para resaltar ingredientes finos y raros o la última musa culinaria de los fundadores. Los condimentos recientes incluyen tés chinos Pekoe & Imp; algas de la prefectura de Tokushima, en Japón; y hojas de curry tostadas. “Usamos el chocolate como lienzo para presentar estos sabores”, dice Leong. La colección más reciente de Fossa está inspirada en las comidas reconfortantes de Singapur y la barra más nueva del chocolatero sigue el ejemplo de satay, una comida callejera omnipresente, y la salsa de maní que la acompaña. La barra de salsa satay, que tiene un 48 por ciento de cacao, por lo que técnicamente es un chocolate con leche, contiene praliné de maní, comino, hinojo y otras especias. Se combina con cacao de origen ético del fermentador Kokoa Kamili en Tanzania, que tiene un ligero perfil de manzana verde y una textura suave y cremosa que equilibra la dulzura tostada y a nuez y el leve repiqueteo de las especias amaderadas. Desde $10, fossachocolate.com.
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Pinturas texturizadas hechas en Marrakech
Lrnce, la línea de cerámica, alfombras y textiles de Laurence Leenaert hechos en colaboración con artesanos marroquíes, despegó poco después de mudarse de su Bélgica natal a Marrakech en 2015. para ella, así que empezó a pintar. Al igual que sus otras obras, sus lienzos son tomas abstractas de las vistas de su ciudad adoptiva y cuentan con fondos blanquecinos con líneas de forma libre y formas representadas en tonos alegres. Se quedaron solo para ella hasta que Freddie Burness, el director de la Galería Cadogan de Londres, los miró, y la tercera exposición de la artista en el espacio ya está lista. Como siempre, las obras incluidas reflejan la fascinación de Leenaert por el proceso y los materiales. Empieza coleccionando telas tejidas a mano, que corta, vuelve a montar y cose directamente sobre el lienzo. Esta vez, experimentó con la incorporación de colores más cambiantes y con el uso de arcilla de terracota como pintura, trabajando en el piso y aplicándolo con los dedos. “No se trata de las pinturas, sino de las posibilidades, y aquí son infinitas”, dice Leenaert, cuya obra favorita se titula “Route Étroite” (2022) y describe, dice, “todos los pequeños caminos de la medina de la ciudad. y todas las pequeñas cosas que te llaman la atención mientras encuentras tu camino”. “Laurence Leenaert: Argile et Rêves” se podrá ver hasta el 8 de octubre de cadogangallery.com.
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Una película surrealista que representa la vida encerrada
Mientras algunos de nosotros bromeábamos diciendo que las cuarentenas nos estaban convirtiendo en hausfraus panaderos o nos volvían locos, la videoartista Mika Rottenberg pensaba en “Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles”. (1975), la película de Chantal Akerman sobre una hausfrau que es enloquecido. Para su primer largometraje, co-creado con Mayhad Tousi, que se estrena el próximo mes en el Festival de Cine de Nueva York, Rottenberg reemplaza a la protagonista viuda reprimida con Unoaku (Okwui Okpokwasili), una mujer de carrera confinada debido a una futura pandemia fuera de la pantalla. Los monótonos interiores de la Bélgica de la posguerra han sido remodelados con papel tapiz afrofuturista, y los drones de entrega zumban en las ventanas mientras Unoaku pela sus propias papas tristes. Los videos surrealistas de Rottenberg han revelado rutinariamente la extrañeza de nuestro trabajo, mostrando cómo se siembran perlas en ostras (“NoNoseKnows”, 2015) o se raspan papas del suelo (“Spaghetti Blockchain”, 2019). En “Remote”, ella y Tousi revelan las peculiaridades de nuestros bloqueos entre pantallas, una idea que Rottenberg dice que inventaron mientras hablaban sobre “la extraña experiencia de viajar tan fácilmente a través de la World Wide Web mientras se está físicamente atrapado en un solo lugar”. Unoaku pasa sus días tocando una pantalla que, para el espectador, es totalmente invisible, tan imposible de ver como a veces parecían sentirse los productos de nuestro trabajo bajo llave. “Remote” estará a la vista el 12 de octubre en el Teatro Francesca Beale y el 13 de octubre en el Teatro Howard Gilman, filmlinc.org.
“Las dimensiones surrealistas son impactantes”, escribió una vez el arquitecto Stephen Hull sobre la Casa Malaparte, una villa austera e improbable encaramada en un promontorio escarpado de la costa este de Capri. Encargada por Curzio Malaparte, un seudónimo del escritor, editor, vanguardista y fascista italiano convertido en comunista Kurt Erich Suckert, la casa de 1941 es un retrato multifacético de su propietario, forjado en la piedra caliza azotada por el viento de su entorno solitario. Su techo funciona como una escalera trapezoidal hacia el cielo. Sus paredes exteriores, una vez blancas, fueron repintadas al final de la Segunda Guerra Mundial a bermellón, el color de la sangre. Malaparte retocó el diseño original de la villa, del arquitecto Adalberto Libera, hasta que su estructura se asemejaba a algo entre un crucero varado y un gran mausoleo.
El descendiente más joven del escritor, Tommaso Rositani Suckert, pasó los veranos de su niñez en Casa Malaparte y ahora trabaja para preservar su legado. Hasta el 22 de octubre, los visitantes del puesto avanzado de la zona alta de Gagosian ingresarán a una pequeña aproximación de la sala de estar de la propiedad, presentada junto a una vitrina que contiene ediciones raras de “Kaputt” (1944) y “The Skin” (1949) de Malaparte, además de fotografías melancólicas del escritor en otros lugares históricos del mar Tirreno. Los únicos muebles de la exposición —un banco, una mesa y una consola, todos diseñados por Malaparte— son reproducciones editadas encargadas por Suckert en escala y materiales idénticos. Al leer la correspondencia entre Malaparte y su carpintero, Suckert se sorprendió de “la fuerza de las palabras de Malaparte para comunicar las formas y pautas estéticas muy precisas”. Aquí, lejos de su lugar de origen, las piezas se hacen eco de los intrincados trozos de nogal tallados de Casa Malaparte, las columnas achaparradas de mármol de Carrara, la piedra de toba y el pino curvado. Detrás de cada uno hay una impresión digital enmarcada de las vistas de la ventana de la habitación: mares azules y acantilados, sin un ser humano a la vista. “Casa Malaparte: Mobiliario” se podrá ver hasta el 22 de octubre de gagosian.com.
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Una celebración del estilo de los años 60 y una historia de amor a la moda
La historia de amor de la diseñadora textil Celia Birtwell y el diseñador de moda Ossie Clark, fallecido en 1996, se celebra en Prato, Italia, en la recién inaugurada exposición “Mr. y la Sra. Clark. Después de conocerse como estudiantes de arte en Manchester en 1962, la pareja se embarcó en un romance de una década y una amistad duradera. Eran más conocidos por co-crear prendas emblemáticas de los Swinging Sixties, incluida una serie de monos andróginos hechos para Mick Jagger y vestidos bohemios cortados de los estampados inspirados en los jardines de Birtwell. La exhibición, curada por el periodista Federico Poletti, muestra 40 prendas icónicas, los respectivos cuadernos de bocetos de los artistas, fotografías editoriales de la pareja y material exclusivo de los desfiles de moda que produjeron, todo lo cual revela la innegable influencia que Birtwell y Clark tuvieron el uno en el otro. . Un vestido transparente con mangas acampanadas escalonadas encarna el atrevido enfoque del diseño de Clark, un vestido con cuello color crema y amapola ilustra los vestidos de dos estampados característicos de la pareja y un vestido de seda con corte en A titulado “Mystic Daisy”, el favorito de Birtwell, es representativo de el estilo floral característico de la pareja. Aunque Birtwell y Clark se separaron en 1974, justo antes de su presentación final en el King’s Road Theatre, la vida doméstica compartida de la pareja está inmortalizada en el retrato que les pintó su amigo común David Hockney. Birtwell tiene una esperanza para la exhibición retrospectiva del arte de su ex pareja: “Él nunca debe ser olvidado. Siempre quiero iluminar su trabajo”. “Señor. & Mrs. Clark” estará disponible hasta el 8 de enero de museodeltessuto.it.
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