“No queríamos crear un espacio que se tomara a sí mismo demasiado en serio”, dice el fundador de Palisociety, Avi Brosh, sobre su enfoque de la propiedad más nueva de la marca, Palihouse West Hollywood. Trató de suavizar el exterior austero del edificio de West Third Street con un interior ecléctico y en capas, siguiendo el ejemplo del lujo lúdico de California y el encanto impredecible de una elegante posada europea. Hay una sensación teatral en todas partes, comenzando con el mostrador de facturación, que fue diseñado para parecerse a un escenario con las cortinas corridas. Cada una de las 95 habitaciones está adornada con piezas antiguas, lámparas personalizadas y abundantes obras de arte. Y si bien hay mucho para ver y comer en las cercanías (LACMA, La Brea Tar Pits y Caviar Kaspia están a poca distancia en auto), el hotel ofrece su propio ecosistema de entretenimiento. La tarifa de California durante todo el día se sirve en el salón del vestíbulo, la cafetería y el bar; el Pool Lounge ofrece refrigerios de cortesía como limonada y dulces; y en el entrepiso, encontrará una barra de sake con platos pequeños de fusión japonesa como sushi prensado y un sándwich de pollo katsu, con una ventanilla de comida para llevar a altas horas de la noche. Palihouse West Hollywood abre el 1 de diciembre, habitaciones desde $295, palisociety.com.
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Los muebles simbólicos y escultóricos de Minjae Kim, a la vista en Miami
La galerista con sede en Miami Nina Johnson conoció por primera vez al diseñador multidisciplinario Minjae Kim el verano pasado cuando vio su trabajo en Marta, una galería en Los Ángeles. Inmediatamente adquirió una escultural lámpara de pie construida con abeto Douglas oscuro altamente lacado con una pantalla de fibra de vidrio. Y cuando decidió agregar un espacio de biblioteca a su complejo de galerías en Little Haiti, todo diseñado por Charlap Hyman & Herrero, supo que quería encargarle a Kim que creara muebles para él. “Quería mostrar a un artista cuyo trabajo se relacionara con la arquitectura”, explica. Kim, residente en Nueva York, nació en Seúl y su trabajo a menudo se inspira en su identidad multicultural; sus sillas, mesas, lámparas y gabinetes de madera y fibra de vidrio se fabrican típicamente con técnicas coreanas y, a menudo, están cargados de referencias tanto personales como históricas. “La silla que hago puede tener más significado que solo un lugar para sentarse”, dice Kim. “Trato de ocultar el hecho de que los objetos que hago tienen una función”. Para la inauguración de la biblioteca de Johnson, el diseñador de 33 años creó una exhibición de piezas únicas bajo el nombre de “IYKYK”, si lo sabes, lo sabes. Para Kim significa que “alguien con antecedentes coreanos verá otra capa”. Se inspiró en objetos asiáticos antiguos que ha estado investigando durante años, como una silla ceremonial tradicional y una luz en forma de tarro de luna. “Ser multicultural a veces significa que entras en un reino de confusión sin fin”, dice Kim. “Pero luego hace que las cosas sean mucho más interesantes”. “Minjae Kim: IYKYK” estará disponible del 28 de noviembre al 7 de enero de 2023. ninajohnson.com.
En su casa italiana en Cortona, una ciudad medieval en lo alto de una colina en la Toscana, Jennifer Perez Crisanti tiene un gran cuenco de terracota con motas verdes en el fregadero de la cocina. El fundador canadiense de Ivo Angel, una tienda en línea que vende vajilla italiana hecha a mano, la usa para lavar los platos. Como todo buen diseño, la cerámica salpicada, caracterizada por sus manchas de esmalte de colores aplicadas rápidamente, no solo es hermosa sino funcional: es duradera, asequible y fácil de producir. Popularizada por los alfareros de Staffordshire de Inglaterra en el siglo XVIII, la artesanía se ha practicado durante mucho tiempo en Italia, y Perez Crisanti colabora con un maestro artesano local, Giulio Lucarini, para hacer las piezas de Ivo Angel, que van desde tazones para mezclar generosamente proporcionados y resistentes jarras de agua hasta un puesto de frutas con volantes. Mientras trabaja en su estudio, a Lucarini le gusta contar historias sobre la vida en Cortona (“algunas de ellas son bastante escandalosas”, dice Pérez Crisanti), donde su familia ha estado radicada durante generaciones. Ella espera que las piezas, que están destinadas al uso diario, se entrelacen de manera similar con la vida de sus dueños. “Es importante rodearnos”, dice, “de cosas que tienen alma”. Desde $20, ivoangel.com.
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Una elegante colaboración de moda entre continentes
El diseñador italiano Marco Zanini lanzó su marca de moda femenina Zanini en 2019 ante un público devoto al instante. Antes de la pandemia, sus colecciones se mostraron durante las semanas de la moda bianuales en su apartamento milanés lleno de tesoros convertido en salón para clientes y compradores que sintieron que había creado su sastrería precisa y capas femeninas solo para ellos. Fue esta intimidad lo que hizo imposible mantener a flote la pequeña marca autofinanciada mientras las restricciones de Covid continuaron dos años después. Pero durante los largos días en casa, el diseñador se mantuvo en contacto con los amigos que había hecho mientras producía su línea. Fue una de estas charlas con Sonya Park, la fundadora del destino minorista japonés Arts & Science, lo que encendió su proyecto más reciente. Park le sugirió que enviara sus telas y patrones a Japón, donde ella produciría una colección cápsula. Así comenzó un proyecto de diseño de ida y vuelta en el que las formas y estilos característicos de Arts & Science se representaron en las telas del diseñador italiano, y viceversa, como un traje Zanini cortado en una cachemira de sal y pimienta tejida japonesa y un cuadrado, blusa clásica Arts & Science confeccionada en tejido damero de lana y seda de Zanini. “Éramos como niños jugando juntos en una caja de arena”, dice Park sobre la asociación. Zanini está entusiasmado con el experimento y lo considera una forma “genial” para que él y otros pequeños diseñadores se mantengan conectados con su trabajo. “Sonya fue una inspiración para mí cuando lancé mi negocio, así que este es realmente un sueño hecho realidad”, dice. La colección está destinada a ser el inicio de una colaboración continua, oficialmente llamada Zanini con Arts & Science, ahora disponible en las tiendas Arts & Science.
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Un restaurante de los arquitectos del Museo Yves Saint Laurent de Marrakech
Los arquitectos Karl Fournier y Olivier Marty no solo diseñaron el célebre museo Yves Saint Laurent en Marrakech, sino que, hace casi 20 años, el dúo detrás de Studio KO también ayudó a restaurar el legendario restaurante y lugar de reunión de la ciudad, el Grand Café de la Poste. Pasaron tres años transformando el edificio para la pareja de restauradores franceses Pierre Pirajean y Helena Paraboschi. Este mes, el mismo equipo se ha unido de nuevo para abrir Sahbi Sahbi, un joyero de restaurante en el barrio de Gueliz. Inspirado en recetas familiares tradicionales y construido en torno al concepto de un equipo de cocina dirigido por mujeres y no jerárquico, Sahbi Sahbi sirve platos marroquíes como cordero con comino y tajine con lubina marinada en chermoula. Fournier dice que, al igual que la comida, la idea detrás del diseño era “rendir homenaje a la artesanía marroquí”. Una variedad de superficies texturizadas, una pared de azulejos triangulares y techos tallados, hechos de materiales naturales como ladrillo y cedro, rodean una cocina abierta central, que está destinada a actuar como un escenario para las mujeres que la dirigen. “Es valiente y difícil para las mujeres en Marruecos trabajar en un lugar que sirve alcohol”, explica Paraboschi. “Tienen que obtener varias autorizaciones solo para poder trabajar aquí. Durante muchos años he querido crear un auténtico restaurante marroquí que honre y brinde oportunidades a las mujeres”. El concepto atrajo tanto a los dos arquitectos que pidieron ser socios en el negocio, convirtiéndolo en su primer proyecto como restauradores. Por eso se llama Sahbi Sahbi, que significa “almas gemelas” en árabe marroquí. sahbisahbi.com
Antes de las festividades, el Museo Nacional del Indígena Americano está organizando su 15º Mercado de Arte Nativo anual que exhibe artistas seleccionados por un comité de curadores y especialistas culturales. En el Pabellón Diker, ubicado dentro del gran museo con columnas en el extremo sur de Manhattan, el artista de abalorios Tuscarora Grant Jonathan mostrará sus adornos y el artista navajo Melvin Platero traerá las joyas contemporáneas de oro y plata que crea utilizando técnicas tradicionales de fundición de toba. El grupo de 39 artistas destacados también incluye a la diseñadora pionera Dorothy Grant, que combina el arte tradicional Haida con el diseño de moda, y el renombrado artista de joyería con incrustaciones de Diné, Jimmie Harrison. Este año marca el regreso del mercado anual a un evento en persona después de una pausa de dos años debido a las restricciones de Covid. (La contraparte del museo en Washington, DC, llevará a cabo su Native Art Market al mismo tiempo, con una lista diferente de artistas). El jefe de programas públicos del museo, Shawn Termin (Lakota), está encantado de que esto signifique más interacciones entre los coleccionistas. y artistas “A través de las conversaciones personales cercanas que tienen lugar entre los visitantes del mercado del arte y los artistas, las personas pueden desarrollar una comprensión más profunda del arte y las culturas nativas”, dice ella. Los miembros del museo obtienen la primera selección en una recepción previa celebrada el 2 de diciembre. El Museo Nacional del Mercado de Arte Nativo de los Indios Americanos estará a la vista el 3 y el 4 de diciembre. americanindian.si.edu.
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